值第14届中法文化之春交流之际，法国驻上海总领馆文化处携上海当代艺术博物馆，于近日联合举办以美术馆为主题的中法论坛。法国与中国在艺术文化领域都十分活跃，并且处在稳步发展中。这一情况为艺术机构、特别是美术馆的未来提供了令人兴奋的实验沃土。面对不断发生的，无论是创作还是传播方式、受众或是经济条件方面的变化，未来美术馆必然要选择新的形式来匹配其所要承担的新角色。
为了丰富辩论内容，“二十一世纪美术馆：文化项目需要怎样的建筑？”论坛进行一系列圆桌讨论和项目介绍，所有议题都聚焦于文化项目与建筑实现之间的关系。论坛以圆桌会议为核心，从三个维度进行切入和探讨。首场会议由法国驻上海总领事馆文化领事费保罗（Paul Frèches）主持，尤伦斯当代艺术中心馆长田霏宇、让·努维尔建筑设计事务所中国项目负责人陈晨、OPEN建筑事务所创始合伙人李虎及青岛西海艺术湾董事长孟宪伟，分别从建筑师、美术馆馆长和艺术机构策划者三种角度，对未来美术馆的新文化模式与经济模式进行了讨论。
王澍设计的富阳美术馆
王澍设计的富阳美术馆
第二场会议上，法国文化艺术公共政策专家布鲁诺·朱利亚（Bruno Julliard）、中国美术学院建筑艺术学院院长王澍、法国国家博物馆联盟及大皇宫主席克里斯·德尔康（Chris Delcon），中国科学院院士郑时龄分别对怎样的文化政策适合未来的美术馆发表了各自的见解；第三场会议中，蓬皮杜艺术中心新媒体馆藏部门主管玛萨拉·利斯塔（Marcella Lista）、上海当代艺术博物馆馆长龚彦、XTU建筑事务所联合创始人阿努克·勒让德（Anouk Legendre）及大舍建筑事务所创始人柳亦春，面对面探讨了文化项目与建筑项目的交融。
从各位专家对于美术馆的实践经验与前沿动向的解读中，能反观这些年中法建筑设计的面貌、反思目前存在的问题与解决之道、更让人深思的是未来美术馆的个体介入、博物馆功能性质的转变等发展趋势。希望让观众凝视时间和空间的交汇，使不同的时间尺度能够共存于一个博物馆之内，未来的博物馆需要让他们得以感知时间，获得现场感并唤起相应的情感。
废墟上的价值重塑城市意义上的美术馆
针对此次讨论主题，应该由三个课题组成：第一是城市需要怎样的文化项目，第二是文化项目需要怎样的建筑，第三个是好的建筑需要什么内容。
至于说，文化的收藏建设，包括公共性的文化活动如何展开，我认为大部分中国城市没有考虑这个问题，这是需要时间积累的。对于一座城市公共文化意识的形成，法国同行有丰富的经验，从18世纪大革命成功到现在为止，花了整整两百余年的时间。以前皇家贵族拥有收藏，而城市意义上，真正面向公众的美术馆是卢浮宫。
如果一座城市没有博物馆、美术馆和大学，就没有资格被称为“城市”。20世纪的美术馆和博物馆不仅是展览机构，它是整个社会思想变革重要的发声地。这时候的建筑不仅仅是好看与否，它要为革命的发声提供条件和场所，由此它的性质也发生了变化。
建筑师从某种意义上被赋予了很多权利，甚至改变城市的权利。我觉得美术馆是城市最重要的公共项目之一，而作为建筑师，对于城市的认识与价值观是什么非常重要。并且，对于城市文化的传统怎么理解的，要有和它有关的——既能够照顾历史又能够照顾未来的审美。实际上，美术馆不是表达已经发生的东西，而是要给所属地方新的讨论，这个讨论既能够激活它的传统，又能够展示它的未来。
比如富阳美术馆，它处于城市中心，始建之初，政府希望以《富春山居图》为背景做博物馆，也要求在馆内展示这幅山水画。因为山水画是有价值观和特殊审美的，而今天的城市是否缺乏这种审美？在一堆高楼大厦里，显然“山水”没有得到尊重。那时候我有机会通过博物馆和美术馆设计，来表达我的认识。四万平米的美术馆有着不超过两层楼的高度，我用特殊的手段让观者感觉不到它的高度，这是山水画里重要的视觉经验——就是如何讨论山和水、和人的关系；再就是用废墟上搜集的材料（老房子拆下来的旧物）重造美术馆。让废墟重新获得尊严和价值，这些都是美术馆建筑有可能做的。
美术馆本身就是艺术品
上海城市文化的发展从2017年到2035年总体规划时，就给出了重要的地位——成为国际艺术文化大都市——应是创新之城、人文之城、生态之城。作为国际经济、金融、贸易、航运、科技创新和文化大都市，可以把上海城市的发展规划分成几个层面来看：建筑应该是可以阅读的，街区是可以漫步的，公园是适合休憩的，城市始终是有温度的。
目前上海只有124个博物馆、美术馆和陈列馆（按照正式统计），一些私人博物馆和收藏还没有列入其中，城市规划展示馆、图书馆和商业综合体也未纳入其中。诚然，美术馆与博物馆的分布，从数量和密度来讲，与纽约、巴黎、伦敦、香港相比是有一定差距的。
上海比较重视历史文化建筑的保护，所以我们划定了44片历史文化风貌区，大致有一千多处建筑，三千多处文物保护点。这些年对于历史文物的保护给予了高度重视，留下了诸多当年法国建筑师在上海建造的建筑——上海浦东国际机场、世博会的法国馆、上海国际时尚中心、滨江儿童公园（原水泥厂）等等。并且，我们将徐汇滨江的“建筑与艺术双年展”发展成城市空间艺术季，2017年置于浦东的民生码头、2019年放在杨浦滨江，利用工业遗产和城市空间进行改造，今年更是作为“大地艺术”来策划。近年来，对城市空间、过去的风貌区、郊区历史文化建筑及城镇的保护措施，实施到位、卓有成效。
美术馆、博物馆本身应该是一件艺术品，而建筑师需要更多地去想到建筑后期的维护，运营资金的筹措以及一些公共性活动的策划。当下我们面临的问题是怎么充实文化建筑和活动项目内容，我们的收藏还得慢慢积累。
私人收藏与建筑的融合新生
法国博物馆有200年的历史，它与公共权利的历史紧密相连，被看成是艺术品的保存之地，社会和谐的载体及具有吸引力的地方。法国现已有一千多个博物馆，形成博物馆网络，这样的历史造就了许多专业人士及良好的法律框架，使得文化项目更长久、更专业。
然而也有不足，譬如管理的僵硬、不能够适应设计师的创作及社会经济的变化。除此之外，国家公共资金从上世纪90年代开始缩减，使得博物馆的资金来源减少，从而需要创新融资模式。比如蓬皮杜艺术中心，是一个多学科的建筑，它把公共空间和文化场所完美地融合在一起，从根本上创新了建筑设计。再比如2000年初，私人参与者越来越多，如现在法国高级别的收藏家Bernard Arnault（伯纳德·阿诺特）和Francois Pinault（弗朗索瓦·皮诺），他们和公共博物馆的关系越来越接近，越发重要。
由此看来，展望未来有三个趋势，一是私人参与者进入博物馆领域，这意味着设计师、企业家、收藏家的参与，对于博物馆发展有着明显的优势与影响。私人参与，如路易威登基金会创立的品牌展会，实业家把五千个私人藏品放进巴黎中心进行展览，并将市中心的巴黎证券市场进行了改造。再比如16世纪建造的历史建筑，经历了多次整修（早期是座粮仓），从建筑的剖面图看是古代的传统建筑，日本建筑师安藤忠雄，将历史和现代融合新生，在其中采用混凝土材料，运用现代化手法改造成了私人博物馆。这座博物馆建筑巨大的整修工程，其改造资金完全来自于私人，将于明年与大家见面。
第二个趋势是艺术和生活，与当代消费模式的融合。中国和法国有共同的趋势，博物馆不仅是艺术的交汇之地，也是城市休闲的地方，它使得高雅艺术、大众生活及与商业这三者紧紧地结合在一起，也使博物馆有机会通过多样化的方式来增加它的收入来源。最后一个趋势是工坊式的博物馆（博物馆与工坊的结合）既有展览还有实践，如2020年香奈儿时装发布会上，将有六百多名时装缝制师在一千多平的空间进行展出和活动；2021年路易威登将建造一个时装缝制中心等，形成独特的展示空间。
UCCA新建筑外观
图片版权归OMA所有，摄影：边洁
建筑是一件大型艺术装置
对于未来的文化美术馆，或广义来讲一座文化建筑，我们可以做些什么事情？第一是“平衡”，从美术馆建筑来讲，要做多少建筑与其所服务的展示艺术空间，两者之间的关系。虽然美术馆当然是为艺术提供展示空间，可是建筑本身依然要打动人，达到一种平衡的概念。
建筑其实在美术馆的角度，无疑也是另外一件更大型的艺术装置而已。这里的“边界”有两层含义，第一种建筑可以帮助打破边界，协助拓展空间里可容纳、可接受的艺术类型。全球范围内，可以看到艺术界的变化，美术馆也要发生相应的变化；第二种是突破人和艺术的边界，打破美术馆高高在上、封闭盒子的概念，拉近人和艺术的距离，空间可以起到这种媒介的作用。譬如，油罐艺术中心的特殊性在于，面对重新改造空间本身，它不是一个个体而是多个个体，从设计之初，我们会想到提供多元的空间，不仅对于展示艺术空间的多元性，也包括内容的多元性。
当代，无论是美术馆还是更广义的文化空间，必须要超越自己核心的工作——建筑设计。超越建筑本身，拓展到对城市、对社会环境及大自然的影响。举个例子，位于北戴河的沙丘美术馆，提供的不只是艺术展示和活动空间，其实我们无意识地做了保护沙丘这件事。人类的建设行为给地球生态带来了破坏，那么建造是否可以变成保护而不是破坏，起到相反的作用？值得深思。
换言之，一座美术馆能够为城市带来什么变化？建筑设计并不只是关注美术馆本身，而是在于美术馆如何激活城市，所以我们更多地从城市的角度创作一个联通——美术馆建设在城市敏感地带如何起到联系的作用，而不是常规地去放置另外一个盒子。此刻，艺术与自然可以完全交融在一起，两者共存。总体来说，我们应当关注到建筑与它所服务的艺术内容之间的平衡，观众与艺术之间的边界以及美术馆超越本身辐射到社区、城市乃至社会。
没有围墙的艺术机构
观众的转型和文化消费的剧变，给文化建筑发展带来了契机。中国现处于快速建造新艺术相关建筑物的阶段，容易忽略美术馆运作所需的软件，或者展览组织的程序。如何去围绕自己所有做的项目和展览、得到最佳的介入或呼应这样的效果，值得深思。中国的艺术机构已经形成初步的体系，在这个体系中，我们可以看出不同的美术馆（艺术机构）都有各自的风格、主张和方向。美术馆的精神在哪里，它代表什么，提倡什么，贡献什么？未来十年会变得越来越清楚。
艺术机构百花齐放才有意思，在自己的专长基础上建立有趣的对话。核心的是建好了的美术馆到底代表了什么？如何看待观众，如何想象它所处社会的未来？展览可以通过票房基本上来维持运营，是良好的趋势，但是作为机构还需要有一个比较重要的责任，就是我们忠诚于自己的声音和使命。致力于建立中国与国外之间的文化上的交流，那么，从我们的展览和项目如何达到这个目标，我认为应当为国民的视觉塑造做出新的贡献。同时文化政策和新的文化内容的产生，也影响城市空间及文化建筑的发展。
近年，观众文化消费的提升促使美术馆完成了一次“转型”，在建筑上则体现为整个外立面的重新设计与改造。这次改造理顺了馆内所有的动线，并且赋予了美术馆一个大气的公众形象，一是透明，把美术馆的内容直接呈现在大街上，二是引导，能够把观众引导到博物馆里面。而对于美术馆而言，最大的资产就是我们的用户群，这些人可能超越了某个城市或者某个建筑体本身，汇聚成愿意介入和思考艺术的一群人，这就会产生一些新的连接方式。
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